Liberté Hebdo

Talents hauts bis : un combat contre l'oubli

ALPHONSE CUGIER — 2023-01-27T16:17:29Z

Martine Lacas poursuit son travail sur des artistes que l'histoire de l'art a négligées jusqu'à une période récente.

En 2015, dans l'ouvrage consacré aux femmes peintres du XV^e à l'aube du XIX^e siècle, elle signalait que cette mise à l'écart était ancienne en se référant au texte fondateur de Vasari, Les Vies d'artistes, 1568, qui n'évoquait que les filles d'artistes reconnus. En 2021, elle fut la commissaire de l'exposition « Peintres femmes 1780-1830. Naissance d'un combat » (Musée du Luxembourg). On assiste depuis quelques années à une profusion d'expositions dans les musées des capitales et des régions, mouvement initié au cours des années 1970 par l'engagement de féministes, stimulé depuis MeToo et désormais ancré dans la société. Faut-il interpréter ce déferlement par une volonté de rééquilibrage ou une manière de se donner bonne conscience ? L'événement fondateur fut en 2009 « Elles@centrepompidou », suivirent « Créatrices » (Rennes), « Pionnières » (Musée du Luxembourg, Paris) et Bordeaux dont je reprends l'intitulé ci-dessous.

Elles sortent de leur(s) réserve(s)

De la féminisation du Salon officiel sous le Consulat aux avant-gardes du début du XX^e siècle, Martine Lacas nous propose une brillante suite à son précédent ouvrage, une somme, véritable livre-musée, des découvertes pour le public d'œuvres d'artistes françaises que rejoignent des nordiques, Britanniques, Russes et Américaines. Elle évite un écueil, celui de simplement opérer une réunion d'entités considérées comme une unité, attentive qu'elle est au parcours de chacune d'elles, ce qui a l'avantage de leur octroyer une visibilité à la fois comme femmes et comme peintres. Ces artistes de toutes générations et de toutes pratiques, ne tenant plus compte de la hiérarchie des genres picturaux, se sont emparées de sujets (peinture d'histoire, mythologie, scènes de vie, paysages) qui étaient l'apanage des hommes et ne sont pas restées cantonnées aux natures mortes, fleurs, portraits, pastels et miniatures. Elles affirment leur mode de création, leur vision du monde, une recherche pour parvenir à un niveau de reconnaissance tel qu'elles marquent dès lors l'histoire de l'art.

Collaboratrice du peintre François Gérard, Marie-Éléonore Godefroy a réalisé, avec des choix plastiques personnels, une copie du portrait qu'il avait exécuté de Novella d'Andrea, juriste italienne du XIVe siècle de l'Université de Bologne.

Une centaine de tableaux sont étudiés, arrêtons-nous sur quelques uns. Grand nu bleu de Jacqueline Marval, 1913, l'épure merveille. Œuvre chromatique, luminescente et radieuse, corps libéré de toute pose, rehaussé par un écrin végétal qui participe à son entrain. Adam et Ève de Suzanne Valadon, 1909, l'artiste qui s'est représentée avec son amant, célèbre l'amour charnel « dans un Eden sans serpent, ni culpabilité ». Le Réveil d'Eva Gonzalès, 1877 (illustration ci-contre), rend à la surface sa prédominance sur les détails : les draps, chemise de nuit, rideau et oreiller sont traités par des blancs plus ou moins gris bleutés ou rosés. Les Blanchisseuses de Marie-Louise Petiet, 1882, ce tableau de jeunes femmes au travail, repassant des draps, anticipe d'une soixantaine d'années le nouveau réalisme français des années d'après guerre (même composition chez André Fougeron, Les Parisiennes au marché, 1948). Bien éloignée, la Méduse d'Alice Pike Barney, 1892, où s'exerce la fascination pour la femme fatale, vampire ou lesbienne, à un moment où en littérature et dans la presse s'opère une transgression des « limites » vers des sujets « sulfureux ». Autre proposition de Jacqueline Marval, Le Pont Saint-Michel sous la neige, 1917 : scène statique par excellence mais qui se trouve en fait ici empreinte d'un mouvement en raison d'une palette réduite à des touches de blanc, gris et noir (une seule ocrée) d'orientation et d'épaisseur de pâte différentes. Martine Lacas explore et célèbre l'incroyable (quand on le découvre) continent de ces œuvres trop longtemps occultées et qui peuvent dès lors afficher leur éternité. Hommage mérité et indispensable aux femmes peintres dans un ouvrage d'une riche tenue intellectuelle et iconographique. Le plaisir allié à l'érudition : illustrations pleine page magnifiées par le grand format du livre, l'œil peut se rassasier de cette fête polychromique.

^{Éditions du Seuil, 224 pages, 22 x 26,5 cm, 45 €.}

Un goulu joyeusement désespéré de la peinture

Gérard Rouy — 2022-09-16T11:45:56Z

Né à Lille et aujourd'hui installé à Coudekerque, s'inspirant dans des nuances mates des grands maîtres de la Renaissance et des expressionnistes allemands, il crée les scènes de vie d'un petit théâtre personnel fantasmagorique, aux paysages délabrés où vivent ses personnages biscornus et oniriques.

Quels sont tes débuts ?

La plupart des tableaux, c'est des mises en scène qui parfois changent dans ma tête, je ne sais jamais au départ ce que je vais faire. Ça a vraiment commencé en pensée dans mes nuits d'insomnie quand j'étais petit. J'habitais Bourges à l'époque et quand je rentrais de l'école maternelle, il y avait la cathédrale de Bourges, j'étais fasciné par les gargouilles, il pouvait pleuvoir, je faisais le tour à chaque fois… Puis j'ai découvert un peu plus tard l'expressionnisme allemand, la peinture flamande, la peinture hollandaise, la peinture italienne aussi. Quand j'étais jeune, ma mère m'avait emmené en Italie où j'ai vu des œuvres de peintres du Quattrocento [1] comme Piero della Francesca, et j'avais remarqué que les peintures ne brillent jamais. C'est de la peinture à frais, à l'eau avec des pigments et des mélanges de colles, j'ai essayé de refaire ça, j'aime cette technique de la matité, je pense que les vernis bouffent le travail…

Quels sont les peintres qui t'ont marqué ? Il y en a un qui n'est pas connu en France, c'est Maryan [un peintre figuratif expressionniste juif d'origine polonaise, rescapé de la Shoah et infirme], je suis retourné il y a 7-8 mois à Paris voir une expo qui lui était consacrée au Musée de l'art juif. Ainsi que les expressionnistes allemands comme Beckmann, Otto Dix, Kirchner, Nolde, le peintre et graveur Erich Heckel… et un expressionniste autrichien que j'aime beaucoup, Oskar Kokoschka. Mais la peinture que j'ai faite est beaucoup moins violente, je m'amuse à faire créer des pièces de théâtre, je crée mon petit monde, souvent ce sont des sujets qui me retraversent l'esprit, que j'ai vécus dans l'adolescence, ou la nuit dans les insomnies. Dans les tableaux, je place les personnages, où je mélange toujours l'homme et l'animal, je me sens proche de l'animal. Quand la toile arrive, je commence toujours par faire le fond entier en monochrome, souvent c'est ocre rouge, c'est souvent la base du truc, parce que quand tu repeins en transparence avec par exemple des rouges, des bleus, ça change un peu les données de ton pigment et ça amène des couleurs assez différentes. Parfois c'est des fonds noirs, ça fait ressortir les couleurs beaucoup plus, le noir bloque vraiment la matière, et tous les personnages, ça vient un peu de Beckmann, sont cernés de noir, et après, je resalis souvent le tableau avec un jus noir, ça fait des coulures, ça salit un peu le tableau, et je le frotte tout doucement avec des éponges très légères, il y a souvent des taches qui apparaissent, et ça j'aime bien.

Le théâtre de Kantor t'a aussi beaucoup influencé… Le théâtre a presque aussi été à la base de mon travail, j'étais fasciné par les mises en scène de Kantor, comme Wielopole-Wielopole. Je l'ai découvert avant de partir à Paris, à Lille au T.P.F. [Théâtre Populaire des Flandres] vers 1980, là j'en ai pris plein la gueule. Je me suis amusé à recréer des mises en scène aussi, qui sont difficilement explicables, c'est une peinture qui est dans la simplicité et qui peut être réinterprétée de mille façons, tu mets dix personnes qui regardent les tableaux, les dix personnes voient des choses différentes. Il y a des gens qui disent que c'est une peinture dure, et d'autres qui disent non, il y a de l'humour. Mes premières expos, c'était à Lille chez Mischkind, j'avais vingt ans…

Il y a une galerie à Ostende qui présente quelques-unes de tes œuvres de manière permanente… Oui, au Rat Mort [2] , les Belges aiment bien ce genre de peintures, je fais partie de leur galerie… J'habite Coudekerque, je n'ai même plus d'atelier, c'est le bordel, les galeries ne peuvent plus t'aider, en ce moment c'est très dur, ça paye le chauffage, c'est tout. Je travaille dans le salon, l'été, je travaille dans le petit jardin, je me démerde, on peut travailler dans une chiotte si on veut. Il y avait des mecs comme [Francis] Bacon qui avait un atelier minuscule, il aurait pu se payer les plus grands ateliers du monde, il s'en foutait, il invitait les critiques d'art dans son appartement. Ici, j'ai rencontré le sculpteur Jean Roulland [3] qui était un copain, pour moi c'était le sommet, l'expressionniste pur et dur, des bronzes costauds. Donc l'interprétation est très personnelle, en fonction des gens, c'est ce qui me plait, je n'ai pas de message à donner, ou d'autres trucs, je m'en fous, je fais mon petit théâtre, je pense à mes petits trucs, des trucs un peu érotiques, mais pas trop, j'aime pas non plus quand tout est montré, je fonctionne comme ça en zigzag tout le temps.

^{Galerie Paragone, 20 rue Nationale, Bergues (59), jusqu'au 1er octobre. Ouvert du mercredi au samedi, de 15h à 19h et sur rendez-vous. contact chez paragone.fr}

[1] Le Quattrocentro est le 15e siècle italien, succédant au Moyen Âge. C'est le siècle de la Première Renaissance, mouvement qui annonce le début de la Renaissance en Europe

[2] Galerie du Rat Mort : Vlaanderenstraat 43, Oostende 8400. galerieduramort.com ; contact chez galerieduratmort.com

[3] Membre éminent du Groupe de Roubaix aux côtés d'Arthur Van Hecke, Eugène Dodeigne et Eugène Leroy. Il est décédé en 2021

Noirs desseins mis à nu, hier et aujourd'hui

ALPHONSE CUGIER — 2022-03-03T18:29:13Z

L'ouvrage en forme d'accordéon déploie deux parties qui se répondent dos à dos. D'un côté, les dessins de The Parade (Le Défilé) créés au lendemain de la guerre et publiés en 1957, ont été restaurés, des planches inédites rajoutées, complétant ainsi le récit. Au verso, Art Spiegelman, l'auteur de Maus, roman graphique fondé sur les entretiens qu'il a eus avec son père rescapé des camps de la mort, dresse l'Odyssée d'un artiste, une sorte d'autoportrait de Si Lewen (1918-2016) qui s'est tenu à l'écart des modes et de toutes les conventions. Il s'est servi des propos échangés lors de rencontres et des mémoires inédites de l'artiste pour mettre son œuvre prolifique en perspective dans l'histoire de l'art.

Peintre juif polonais, Si Lewen, fuyant l'Allemagne nazie à l'âge de seize ans, émigre aux États-Unis. Il s'engage dans l'armée américaine et se trouve à Buchenwald juste après la libération du camp. De retour, il délaisse rapidement les couleurs sourdes ou éclatantes mêlées de taches blanches et grises qu'il utilisait. Les souvenirs le hantent, meurtri par l'horreur concentrationnaire, il dessine fiévreusement Le Défilé, histoire sans paroles. Pourquoi, d'une génération à l'autre, le son du clairon et les roulements de tambours mobilisent les hommes, les entraînent à la guerre et aux cris haineux mortifères ? Une fougue les emporte, corps penché en avant et aussitôt enrégimentés au pas cadencé sous les acclamations d'une foule en liesse agitant des drapeaux.

S'opposer à la morsure des ténèbres

Rapprochée la parade devient de plus en plus compacte, saturant des pages enténébrées : fusils, baïonnettes, casques, étendards aux motifs agressifs (animaux aux gueules carnassières) occupent tout l'espace. Des gamins jouent au soldat, miment le défilé munis d'épées ou de fusils en bois… ils grandissent et sont enrôlés, passant des bras de leurs mères à ceux de la Grande Faucheuse. Cette culture de la guerre et de la haine, construction d'un imaginaire de l'opinion publique et tout particulièrement des enfants, prend corps dans la chair du papier. Une furia dévastatrice s'ensuit et sème la mort, chaque planche nous enfonce dans un univers d'abomination, de brutalité et d'horreur. Le noir s'étend, villes en ruines envahies par les rats, familles épouvantées qui fuient, cadavres de bêtes, alignement de pendus, mère et bébé chargés à la baïonnette, cohorte de mutilés, prisonniers comme vidés de leur chair enfermés derrière des barbelés… C'était hier, mais qu'en est-il des guerres et génocides depuis les années 1960 et en ce début de siècle ? Influencé par Frans Masereel, graveur sur bois dont les œuvres jouent exclusivement sur un contraste très marqué entre le noir et le blanc, Si Lewen introduit toutes les nuances du clair et du foncé, en grattant les espaces noircis pour que de cette profondeur obtenue surgisse une lumière. Signe annonciateur de quelle espérance ?

Nulle conformité aux usages

Dans l'Odyssée d'un artiste, Art Spiegelman évoque les peintres et graveurs qui ont influencé Si Lewen et ce qui le différenciait d'eux, outre Masereel, Picasso, Klee, le Goya des Désastres de la guerre et Orozco, muraliste mexicain adepte du réalisme social. Le poids du passé reste prégnant et donne naissance à des œuvres hallucinées. En 1960, Si Lewen réalise Un voyage (publié en 1980), l'histoire d'un homme qui, au cours d'une promenade en forêt, se heurte à un camp entouré de barbelés ; invité à y entrer, il est confronté à la mort omniprésente, il s'enfuit avant d'être arrêté, traduit devant un tribunal, condamné et brûlé dans un four crématoire. L'artiste inaugure une manière de présenter ses tableaux en les plaçant côte à côte pour qu'ils « parlent entre eux » et s'allument les uns les autres. Une conception sérielle novatrice. Dans la série Centripètes, une créature ondoyante se métamorphose sans cesse en personnages, paysages et s'éparpille en rochers, soleil, lune et galaxies avant de reprendre sa forme initiale. Si Lewen ira, avec La Procession, jusqu'à regrouper 1 800 peintures sur toile réalisées en collant des fragments découpés dans des œuvres antérieures. Plus de 150 reproductions de tableaux, planches ou panneaux de ces séries et d'autres comme Fantômes, Ève, La Longue Marche, Rondeau, réalisées au crayon, fusain, aquarelle, acrylique ou à l'huile, accompagnent les commentaires d'Art Spiegelman, aussi riches qu'il est nécessaire. Cette démarche sérielle adoptée par l'artiste traduit sa volonté de s'engager toujours plus profondément dans sa manière de concevoir un art ignorant délibérément le monde de l'art et le marché de l'art. Une exigence rare.

Si Lewen, The Parade (Le Défilé) et l'Odyssée d'un artiste, une édition d'Art Spiegelman. Catalogue de l'exposition au Musée d'Art et d'Histoire du Judaïsme, Paris, jusqu'au 8 mai. Éditions Flammarion, relié en coffret, 209 x 294 mm, 150 pages, 65 €.

Rencontre avec Jean-Jacques Tachdjian, artiste encore vivant

2021-12-13T10:59:23Z

C'était son rire au fond du bar. Il s'était déjà fait des copains. Il avait commandé une bière « mais pas une IPA ! » et me relatait alors son enfance, à Lille, quartier de Wazemmes, où, quittant Paris, ses parents artisans s'étaient installés dans le grenier à foin d'un ancien relais de poste. Il en avait bavé à l'école, auprès des gosses de prolos à cause de « mes origines parisiennes, puis des gosses de bourges à cause de mes origines prolos. Quand je fus en foyer, c'était bien. On était tous pareils. Je ne morflais plus à cause du déterminisme social ». Vivant dans un squat à Lille, vendant ses dessins, il rencontre Benoît Delépine créant un journal gratuit pour les étudiants. « Sans bac, j'avais un complexe par rapport aux études, face aux gosses de riches. J'ai toujours eu une dent contre le système universitaire. On fait croire des histoires aux gens. Devant chez moi, il y a une école de commerce, école de mâles dominants. C'est le modèle social de référence pour les jeunes aujourd'hui. Avant, c'était des mecs défoncés qui faisaient du rock'n'roll. Et on respectait mieux les gonzesses à l'époque. » Et il éclatait de rire ! Et les copains de La Chope approuvaient. « J'ai fait un mémoire sur l'utilité de l'art dans la société, puisque le marché de l'art est une histoire de coterie et de fric. L'art contemporain est une escroquerie menée par des marquis qui intellectualisent des conneries avec l'argent public. Aujourd'hui, l'art est verrouillé. Une bourgeoise de Marcq-en-Barœul qui fait des tableaux va les vendre aux copines. Pour elles, c'est une artiste, alors que c'est qu'une projection ! Pareil pour les riches qui achètent des œuvres de riches comme Koons. » Il était intarissable, limite colère, mais avec gouaille. « Faut voir la révérence avec laquelle les gens parlent d'art, des maîîîtres, alors que c'est des branleurs. Picasso est le plus grand escroc du 20^e siècle. Duchamp était un bourgeois qui faisait des conneries pour se marrer. Il s'est pris à son propre jeu, ouvrant la porte à toutes les imbécilités de l'art contemporain. » Son travail artistique, images détournées, colorées ou simples typographies, venaient de tous les métiers qu'il avait faits avec passion. « J'ai été graphiste, auteur de BD, éditeur, imprimeur, typographe. À mon premier ordi, j'ai trouvé le numérique super. Finalement, ça a été le contraire. Les gens ont fait de plus en plus de choses facilement grâce aux technologies, mais moins intéressantes. » Il me fit alors découvrir Edward Fella, « le plus grand graphiste du monde ! », et Red Mirror de Simone Pieranni, « un livre glaçant sur la Chine et ce qui nous attend ». Jean-Jacques fait des livres, qu'il vend, puis qu'il donne à ses copains, « tous comme moi : artistes et pauvres. La plupart des gens qui ont des diplômes sont ce qui est écrit sur leur papelard. Personne ne le remettra en question. Ils le seront à vie même s'ils ne s'améliorent pas. Quand tu es autodidacte comme moi, on te demandera toute ta vie de prouver et de justifier ce que tu fais, c'est épuisant. » À la question « dis moi un truc important », il me dit : « Rien. Parce que je ne suis pas important. » Et il éclata de rire.

Son travail : lachienne.com. Et ses typo : radiateur-fontes.com.

L'âge d'or de la peinture flamande au théâtre et au musée

PAUL K'ROS — 2021-10-13T15:15:44Z

La semaine dernière, par le fait d'une heureuse correspondance artistique, le Phénix scène nationale Valenciennes présentait en ouverture de saison un spectacle ayant pour trame la vie et mort du peintre Pieter Brueghel l'Ancien cependant que le musée de Flandre inaugurait à Cassel une exposition sur une dynastie d'artistes anversois de cet âge d'or de la peinture flamande des XVIe et XVIIe siècles.

Bruegel et Cie…

De quoi nous faire entrevoir l'extraordinaire effervescence artistique et commerciale qui animait alors la cité anversoise, carrefour international cosmopolite, en plein essor. La ville ne comptait pas moins de 300 ateliers de peintres et sculpteurs produisant à tour de bras, si l'on peut dire les choses ainsi, moult œuvres et chefs-d'œuvre peints ou gravés destinés à de riches commanditaires du cru ou internationaux. C'est l'époque des Bruegel, des Franken, des Jérôme Bosch, Jan Van Eyck, ou encore Pierre Paul Rubens mais c'est aussi l'époque des bouleversements moraux et sociaux liés à la Réforme, du combat de la papauté contre le protestantisme, de l'occupation espagnole et des procès en sorcellerie…

Margot la folle

De sorcières, il en est justement question dans le spectacle conçu et mis en scène par Lisaboa Houbrechts (artiste associée au Toneelhuis) qui fait la part belle à Margot l'enragée (Dulle Griet), figure centrale de l'une des plus célèbres toiles de Bruegel. Cette Margot énigmatique va nous entraîner dans une cavalcade de séquences et tableaux vivants où le foutraque côtoie le surréel cependant qu'un compte à rebours dans le temps égrène, année après année, l'interminable litanie des guerres qui n'ont cessé jalonner notre histoire humaine. Le spectateur est ainsi immergé dans le quotidien de Pieter Coecke van Aelst, doyen de la guilde de Saint-Luc d'Anvers, de son épouse Mayken, personnage haut en couleur, de son élève (et futur gendre) Pieter Brueghel et autres personnages non moins pittoresques par la voix desquels nous est livré un flot ininterrompu de réflexions poétiques, politiques et philosophiques sur l'état du monde, celui de la condition humaine, le statut de l'artiste, son rapport à la nature, le commerce des œuvres d'art et mille autres considérations de haute volée. Lisaboa Houbrechts veut tant en dire que l'on a parfois un peu de mal à suivre le riche propos exprimé en néerlandais et surtitré en français tout en gardant un œil fasciné sur l'enchaînement de tableaux scéniques plus baroques les uns que les autres. Le tout est superbement rehaussé par les touches vocales et musicales de l'ensemble valenciennois Harmonia Sacra. Une belle découverte !

_{Le Phénix, scène nationale Valenciennes. Infos : 03 27 32 32 32 ou lephenix.fr.
La Dynastie Francken, musée de Flandre, 26 Grand' Place, à Cassel jusqu'au 2 janvier 2022. Entrée : 8 € (gratuit pour les moins de 26 ans). Infos : 03 59 73 45 59.}

Actes de renaissance

ALPHONSE CUGIER — 2021-09-10T10:43:10Z

Né en Pologne en 1918, rescapé de la Shoah (toute sa famille a péri), il arrive à Paris en 1948 pour devenir peintre et s'extraire du « chaos tragique du passé ». Sur une huile sur toile de 1957, un tournesol épanoui, lumineux a poussé dans l'ombre portée d'une potence, rappel des années d'occupation et des camps de concentration. La toile porte en titre Le pendu ou Souvenir de l'occupant. Initialement, elle s'appelait Un éternel renouveau. Titre programmateur pour cet artiste qui voulait rompre avec les dérives formalistes de l'abstraction géométrique, redonner foi en l'humanité et réintroduire dans ses œuvres des objets du vécu quotidien et des êtres humains dont la présence avait été totalement effacée par les atrocités nazies et la guerre.

Le poids de la légèreté et l'élégance du peu

Emanuel Proweller est resté fidèle à une démarche qui marie abstraction et figuration. Il veut faire naître de ce paradoxe, harmonie et sérénité : c'est sa « Terre Promise » habitée de sujets profanes. Alors qu'il a opéré dès les années 1950 un retour à la figuration, ce n'est que deux décennies plus tard qu'il sera à nouveau exposé et reconnu comme le précurseur de la Figuration narrative, un des plus importants mouvements qui a marqué le paysage artistique français dans les années 1960-1970. Des artistes de ce mouvement tels Rancillac, Erro, Recalcati, Aillaud, Fromanger, Arroyo, les Malassis, Cueco… en prise directe avec l'actualité, s'engagent dans leur siècle pour dénoncer les aliénations de la société contemporaine avec une salutaire virulence. Emanuel Proweller, tout en étant attentif aux bruits et aux fureurs d'un monde violent et tranchant, « affirme le droit d'être heureux… à condition d'être lucide » et d'apprécier les petits riens, le sel de la vie, la qualité des moments où cela respire.

EMANUEL PROWELLER, La Première cigarette, Juin 1969, Huile sur toile 81 x 100 cm, Courtesy Galerie GP & N Vallois, Paris

Ses toiles reposent sur la fragmentation, corps déclinés en morceaux, déployés dans une savante découpe, exécutant leur propre cohérence. Les couleurs réinventées, « jamais la même nuance par œuvre », sont juxtaposées en aplats qui tapissent les formes, allègent la matière des objets et la chair des êtres. Un instinct de vie s'y dégage dans un graphisme souple et subtil, un chromatisme réjouissant. Accomplissement d'une peinture marquée par une simplicité, une grâce et une fraîcheur qui transfigurent le quotidien le plus humble et qui substituent la suggestion à l'intensité.

Graphisme subtil et chromatisme réjouissant

En plus des œuvres exposées, le catalogue comporte des images d'archives, deux textes inédits de l'artiste, une préface de sa fille Élisabeth Brami, auteure reconnue en littérature jeunesse et générale (La Couleur des saisons s'inspire de 47 toiles de son père, toutes sont reproduites dans l'album, éditions courtes et longues). Un essai de Catherine Francblin, ancienne rédactrice en chef du magazine Art Press, spécialiste du Nouveau Réalisme, en particulier de Niki de Saint Phalle, complète l'ouvrage.

_{Exposition Le Vif du sujet à la galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois, Paris, 4 septembre-15 octobre. Catalogue courtes et longues en coédition avec la galerie, 24,5 x 28 cm, 96 pages, 29 €.}

Riches heures en nombre et en art

ALPHONSE CUGIER — 2021-05-28T13:53:15Z

1, 2, 3... 9 ne sont pas exclusivement les instruments de mesure ou de calcul du géomètre, du comptable, du mathématicien, en général de l'homme de science. Ils sont aussi supports d'élection aux élaborations symboliques, magiques et, pour ce qui nous intéresse, avoir la parole en art. Toute œuvre d'art est fondée sur des proportions (il suffit de penser au « nombre d'or », ce rapport d'un dynamisme équilibré), l'esthétique reposant sur des quantités spatiales et sur une harmonie des formes (cette « proportion dorée » peut exploser chez certains artistes).

Le nombre a la parole

Tout personnage, tout objet, tout motif est susceptible d'être représenté au singulier ou au pluriel. Qu'apporte le passage de l'unité au multiple ? De la notion de quantité on passe à celles d'idées et de forces. Devant chaque œuvre qui décline une représentation démultipliée d'une figure, d'un motif et qui attire le regard, suscite la curiosité, le spectateur n'en finit pas de se plonger dans des interrogations en cascade, d'intensifier les hypothèses. Des « machines » à réfléchir avec leur polyvalence de lectures et de sens. L'essai de Robert Bared, sans vouloir être exhaustif (est-ce possible ?), dévoile l'abondance de productions régies par le nombre des éléments qu'elles comportent. Si le 1 est symbole unificateur, le 2 est celui d'opposition, de réciprocité mais aussi de gémellité tout en relevant du domaine du dédoublement, des ambivalences et du bipolaire. Et ainsi de suite, chaque nombre tendant à engendrer le nombre supérieur. Quelques exemples parmi ceux retenus suffisent à montrer que la centaine d'œuvres analysées forme un ensemble passionnant et éclairant. L'auteur qui passe du détail à l'ensemble et inversement s'est muni de ce que l'érudition peut alléguer comme repères, comme explications.

La vertu d'excellence

Prenons le 3. Les Trois Parques, huile sur bois de Salviati, 1550. De la vie à la mort : trois vieilles femmes fileuses « traitées en grisaille comme en conformité avec le sort de leurs humaines victimes. Clotho tient la quenouille, Lachésis déroule le fil et Atropos le coupe à point nommé ». Quant aux Trois Sorcières, huile sur toile de Füssli, 1783 (la couverture de l'ouvrage), elles « viennent annoncer son destin à Macbeth, au début de la tragédie de Shakespeare... sœurs fatidiques, main dans la main, ferment de leur puissance ». Le cinéma est aussi de la partie avec Jules et Jim de François Truffaut, 1962 : Henri Serre, Oskar Werner et Jeanne Moreau, 2 + 1 (une déguisée en homme), « délicatesse de la liaison triangulaire, où chacun se nourrit du regard reliant les deux autres... jusqu'à l'issue fatale ». Robert Bared n'oublie pas la littérature, évoque la tragédie racinienne, le trio de boulevard (Georges Feydeau, Sacha Guitry) en « passant par le libertinage amusé d'un La Fontaine moraliste (Deux coqs vivaient en paix, une poule survint. Et voilà la guerre allumée) ». Cent quatre dessins, tableaux, enluminures, sculptures, céramiques, photographies, photogrammes de films, bâtiments dans lesquels interviennent 1, 2, 3... 9 éléments ou sujets, constituent une bien belle approche, chaque œuvre étant resituée dans son contexte historique et artistique. Cet essai qui varie les focales, dévoile des « secrets », les approche avec intelligence et simplicité, plume savante et accessible et nous aide à regarder avec davantage d'acuité des œuvres pourtant souvent contemplées et dont on apprécie la qualité des reproductions.

Rencontre avec Maniasuki, peintre

2021-05-07T13:13:53Z

Mania vient de me quitter. Seul dans La Chope, ne reste d'elle que sa tasse d'Irish coffee sur le comptoir. J'ai pourtant la sensation d'avoir rencontré dix artistes. Mania est plusieurs. Mania, c'est du bagout, une vie mouvementée, de la passion. Mania est l'art et la culture sans frontières, où tout s'entremêle, où tout fait poésie et sens. Difficile de faire un portrait sans se perdre dans le baroque d'une vie riche. Voilà ce que je me dis en relisant mes notes. « Mes grand-parents étaient polonais. Un grand-père cocher à Cracovie, croisant une très jeune fille qu'il veut épouser. Difficile sans argent. Il part en France, y devient mineur, et revient un an plus tard, comme promis, pour se marier. Retour en France, mine de Courrières et mort prématurée par la silicose. » Elle me parle de son père aussi. « Il était commercial et se passionnait pour la culture, le théâtre, le jazz, les humoristes, la chanson réaliste. En tant que Polonais, il pensait que ce milieu lui était interdit. J'allais avec lui à Paris aux musées, à l'opéra qu'il détestait, contrairement à moi. Il a toujours voulu s'intégrer, détestant la Pologne qu'il voyait comme une terre opprimée par le grand-frère soviétique. » Je relis mes notes. Complexe de la polonaise à l'école, sa timidité, puis son envie d'être chanteuse, mais toujours ce refus familial, ce déni de ce qu'elle est vraiment. « Ce qu'on lui avait refusé, mon père faisait pareil avec moi. À 16 ans, j'ai été malade de ne pouvoir faire ce que je voulais. À la fac, j'ai fait du droit en histoire de l'art. » Voilà comment je pourrais résumer très rapidement cette en- fance. Dans mes notes, j'y vois qu'elle chantait dès qu'elle pouvait. J'y vois que Mania a commencé comme médiatrice culturel au Musée des Beaux-arts de Lille. C'est ainsi qu'elle rencontre Roger Frezin. Suivent alors 27 ans de vie commune avec lui. « Déjà, je voulais être une diva, ne pas suivre un partition. Je voulais être libre. » Je relis dans mes notes ce moment où elle lui montre ses dessins, Roger lui disant qu'elle doit continuer en l'invitant à venir travailler chez lui. Elle fait des conférence d'histoire de l'art, peint, se sentant soutenue par cet artiste rebelle et reconnu. C'est aussi sa première exposition à la Galerie Storme, ses premières ventes, cette confiance en elle pour aborder tous les domaines de l'art. « J'ai toujours pratiqué le pastel gras, des natures mortes, puis des collages faits de tissus, dentelles, boutons, proche de l'univers de Niki de Saint Phalle. » Elle semble remercier tous ceux qui l'ont soutenue : « Ceux qui m'ont ouvert un monde qui m'était inaccessible en tant que femme d'origine polonaise, comme Dominique Szymusiak qui m'a proposé une expo personnelle au musée Matisse. » Elle chante toujours, quand elle peut, quand on lui demande. Elle pratique aujourd'hui des collages numériques. Rien d'académique dans son travail. De là vient sans doute sa curiosité pour les pratiques marginales. Coup d'œil sur mes dernières notes : « J'avais des comptes à régler avec les interdits qui m'étaient imposés. Ma mère était audacieuse, combative. Je n'ai pas été boostée par mes parents. En revanche, ils m'ont transmis leur énergie, leur volonté d'être eux-mêmes. » Puis ces mots essentiels : « L'histoire de l'art m'a appris à regarder l'art de façon humaine, avec cœur, intelligence et sensibilité. C'est ce que l'on doit conserver. » Mania partie de La Chope, ne reste de la diva qu'un grand vide, une tasse d'Irish coffee, un silence pesant et trop de notes inexploitées.

Rencontre avec Sarah d'Haeyer, illustratrice

2021-04-12T08:43:00Z

On me l'avait jamais faite celle-là. Depuis mes rencontres à La Chope, on m'avait demandé pas mal de cafés, un certain nombre de bières, des whiskies aussi, mais jamais un Schweppes. C'est pourtant ce qu'avait fait Sarah d'Haeyer. « Bizarre pour une Lilloise » me dit Samir qui passait par hasard. Sarah y a toujours habité « excepté mes deux années à l'université de Montpellier à la fac de socio. Cela m'a sans doute permis de mieux comprendre les rapports entre les gens et la société. Mais je ne pense pas que cela ait influencé mon travail ». Père comédien, mère enseignante chercheuse, c'est sans doute sa passion pour les livres d'enfants, « ma mère me lisait tous les soirs un passage d'Alice aux Pays des Merveilles », qui l'a amenée, sans le savoir, à écrire et illustrer des livres pour enfants. Cela ne fut pas forcément une évidence.« Après la fac, j'ai pas mal traîné, ne sachant trop quoi faire. J'hésitais entre être costumière pour le théâtre et faire des livres. Ce qui est certain, c'est que je ne voulais pas de patron, ni un travail régulier. Je voulais être indépendante. » C'est alors des rencontres, mais sûrement pas des hasards, qui lui ont donné définitivement envie d'aller là où elle devait aller. À commencer par Dimitri Vazemski, « qui m'a fait découvrir qu'il était possible de créer sa propre maison d'édition », mais surtout un après-midi chez un ami qui lui propose d'essayer la linogravure. Elle ne s'arrêtera plus. Après avoir bénéficié des 30 000 francs d'un DéFI Jeune, elle imprime ses deux premiers livres. En 2001, elle crée sa maison d'édition Ritagada, une structure associative, indépendante. C'est alors une dizaine d'ouvrages qui vont s'enchaîner, s'attachant à décrire un « monde qui ne va pas. Et puis, les livres pour enfants sont parfois consternants, reproduisant des stéréotypes éculés. Je n'ai jamais voulu faire des livres ouvertement militants. Ce ne sont pas des slogans, ni des manifestes. En revanche, ils amènent aux pas de côté. » Les traits épais et les contrastes forts entre le noir et blanc font des illustrations de Sarah des images directement lisibles, poétiques. Outre la gravure en relief, elle utilise aussi les collages, l'acrylique et la photo comme pour Bouilles, un ouvrage de portraits de jouets d'enfants. Sarah parle avec simplicité de son travail. « Je ne suis pas une bonne dessinatrice. Ce n'est pas nécessaire pour une illustratrice. Je ne sais jamais comment va naître l'envie de faire un livre. Cela commence en général par une image, qui me donne envie d'en faire une deuxième. C'est ainsi qu'est née l'idée pour mon prochain ouvrage Péplum. J'avais travaillé à partir d'une image de majorettes, puis d'un plongeur. Je les ai envoyées à Marie Bouchacourt, elle aussi illustratrice avec qui j'ai déjà publié deux albums. C'est elle qui en a écrit des légendes très justes, très fines. Je suis parfois timide sur l'écriture. » Sarah est actuellement en CLÉA (Contrat local d'éducation artistique) dans la communauté de communes de Pévèle Carembault avec la plasticienne Belinda Annaloro. Elle continue aussi à travailler avec les éditions L'Œil d'Or, qui ont réédité une série de textes de Mark Twain dans une nouvelle traduction de Freddy Michalski, parfois un peu de scénographie pour des spectacles. À la dernière question, qu'est-ce qu'un bon livre pour enfant, elle me répondait : « C'est un livre qui donne envie de faire des livres, qui éveille la curiosité et l'imagination. » Les œuvres de Sarah répondent à tout ces critères. Mais elles donnent aussi envie de retrouver son regard d'enfant. C'est bien aussi, non ?

Mahjoub Ben Bella nous a quittés

2020-06-11T19:11:40Z

Ce 11 juin, à 5 heures 06, l'artiste Mahjoub Ben Bella, au terme d'un long et courageux combat contre la maladie, s'est éteint à Lille, entouré de ses proches. Il naît le 20 octobre 1946 à Marnia en Algérie. Après des études aux Beaux-Arts d'Oran, il s'installe en 1965 à Tourcoing où se révèle son style singulier qui restera sa signature et fera le tour du monde. C'est dans cette ville qu'il fonde sa famille avec Brigitte. Y naissent ses enfants, Souhir et Nadjib, artistes eux aussi. Reconnu dans le monde entier, son œuvre affirme une double appartenance : le ciel du Nord et la lumière de la Méditerranée. Présent dans de grandes collections publiques et privées (Londres, British Museum ; Paris, Institut du Monde Arabe et Musée d'Art Moderne de la Ville ; Amman, Jordan National Gallery ; Roubaix, La Piscine ; Tourcoing, MUba ; Villeneuve d'Ascq, LAM ; Lille, Hôtel de Ville …) il a exposé dans de très nombreuses institutions et galeries (Alger, Abou Dhabi, Beyrouth, New York, Paris, Madrid, Vevey, Sao Paulo, Tunis, Le Caire, Bruxelles …). Homme d'une grande générosité, il a toujours eu à cœur de partager avec le plus grand nombre son message artistique et humaniste qui restera pour toutes celles et tous ceux qui l'ont connu un magnifique cadeau de la vie. On se souviendra notamment du lumineux ruban des pavés du Paris-Roubaix en 1986 et de l'hommage fraternel à Nelson Mandela, à Wembley en juin 1988. Jusqu'à son dernier souffle il aura peint et dessiné, fidèle à son message d'espoir. Mahjoub, selon son souhait, sera inhumé à Tourcoing, dans la plus stricte intimité. Un hommage public lui sera rendu ultérieurement. Nous adressons nos condoléances à sa famille et ses proches et nous reviendrons, dans notre prochaine édition papier, sur sa vie et son œuvre.